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世界上最动感画（有动感的画）

xj 2023-11-06

本文目录一览：

1、如何从经典名画中感受油画艺术的动感美呢？
2、日本95后画家，画少女洗脸，水珠画出了动感，比冷军画老婆有新意吗？
3、帮我找一些动感画面
4、世界名画呐喊图片
5、史上最好看的画
6、儿童画教程｜颜料喷溅表现激情动感《砰砰砰！酒瓶碎了！》

如何从经典名画中感受油画艺术的动感美呢？

动感美，通常是指物象呈现出的富有韵律的动态、动势和起伏变化的节奏、旋律、场景给人们带来的视觉和听觉上的美感。动感美一般是指“有动静”的艺术表现形式，比如影视、舞蹈、音乐等，人们通过作品中明显的“形动”和“声动”，领会到其中的动感美。

油画作为以平面图象呈现的视觉艺术，从理论上讲，是一种静态的艺术表现形式。然而，油画通过其构图、造型、色彩、笔触和场景的丰富变化，同样可以展示出令人赏心悦目的动感美。那么，如何领会欣赏油画艺术作品中的动感美呢？这里，笔者试以一些经典的油画作品为例，和大家一起探讨一下这个问题。

一，从油画作品的戏剧化场景来欣赏它的动感美

以米开朗基罗的《创世纪》和鲁本斯的《抢夺留西帕斯的女儿们》两幅油画为例：

《创世纪》是文艺复兴艺术巨匠米开朗基罗用4年又5个多月的时间，在罗马西斯廷大教堂圆顶上创作的一幅巨型壁画。该画分三大部分十个章节，成功刻画了343个形态各异栩栩如生的人物形象。其中最精彩的是《亚当与夏娃》这一部分。画面中，亚当和夏娃刚刚被造物主赋予了生命，亚当斜倚在画面的左端，似乎是在努力地将手伸向造物主（上帝），而他的眼睛却专注地看向画面右端被造物主护在身侧的夏娃。有趣的是，此时的夏娃也正目不转睛地看着亚当所在的方向……读者看着画面场景，仿佛能感觉出亚当和夏娃正在双双移动着身体一步步靠近。

《抢夺留西帕斯的女儿们》是17世纪巴洛克油画大师鲁本斯的一幅代表画作。该画取材于古希腊神话，描绘了众神之王宙斯与丽达所生的一对孪生兄弟卡斯托耳和波吕克斯，爱上了迈西尼国王留西帕斯的两个女儿一对孪生姐妹。于是卡斯托耳和波吕克斯带着人，趁着黎明前的蒙蒙晨曦，将留西帕斯两个女儿抢走的场景。整个画面呈现出一方拼命抢夺一方奋力挣脱的戏剧性场景，具有非常强烈的运动感。

二，从油画作品的人物形态来欣赏它的动感美

以约翰-柯内尔的《马背上的葛黛瓦夫人为例：

《马背上的葛黛瓦夫人》是英国18世纪著名画家约翰-柯内尔根据一个在英国流传近千年的美丽故事创作的。故事梗概：美丽女子葛黛瓦嫁给了考文垂城的总督成了总督夫人。当她看到城里百姓因为赋税过高而生活窘迫时，就向丈夫求情减免百姓税负。总督丈夫不依，葛黛瓦终日郁郁寡欢。有一天总督跟葛黛瓦说，如果葛瓦黛敢赤身裸体骑着马在城里走一圈，他就同意减免税负。

总督本想以此话激将葛黛瓦打消为百姓减税的念头，不想葛瓦黛当即答应了。第二天一早，葛黛瓦夫人骑上府里的一匹枣红色的高头大马，坦坦然然走在城里街道上。城里的商户百姓知道葛黛瓦夫人的良苦用心，这一天都纷纷关门闭户，路上的行人远远看见葛瓦黛夫人骑马过来，也都侧身扭头回避……葛黛瓦夫人的大善之举终于感动了总督，遂下令减免了百姓的赋税。《马背上的葛瓦黛夫人》虽然是一幅静态的画面，但读者从葛黛瓦夫人的表情神态和马的动态姿势，会产生一种女主人正骑着马行进在城区的街道上的运动中的感觉。

三，从油画作品的新颖造型来欣赏它的动感美。

以夏加尔的《爱情》为例：

夏加尔是20世纪最著名的表现主义绘画大师，他和妻子贝拉是中学同学，可以说是青梅竹马走到一起。两人感情真挚，志同道合。贝拉的聪明智慧灵动可爱给了夏加尔很多的创作灵感。每年在两人的结婚纪念日期间，夏加尔都要画一幅画送给妻子。《爱情》是在他们结婚三周年时创作的，是夏加尔最珍爱的一幅作品。

画面的背景是澄澈湛蓝的天空，地面上疏落有致的房屋、树木和绿葱葱的草坪。画家站在画的中央，玉树临风，他左手高高举起，和妻子贝拉的右手对接，撑起穿着一袭紫红纱裙美丽无方的贝拉。贝拉身体完全悬腾于半空，呈倒立型娑婆曼舞。在画家旁边的草地上，堆放着一束五颜六色的鲜花。真的太富有动感富有诗情画意了。画家是想以这样的一幅画面告诉世人：爱情是伟大的，爱情是美妙的，爱情的力量是无穷的，爱情是无拘无束仿佛可以天马行空自由飞翔的。

四，从油画作品的色彩铺染来欣赏它的动感美

以雷诺阿的《浴女》为例：

世界上最动感画（有动感的画）

雷诺阿是法国19世纪印象主义油画的代表画家之一，尤以创作青春女性题材的油画著称。《浴女》是他中后期创作的重要作品。在这组系列油画中，画家以深情的笔触塑造了一群丰腴女子的美丽形象。丰腴一般是指人的身体胖或者微胖，在人们传统的审美中多不被看好。但是雷诺阿在这幅画中，描绘了一群丰腴女子有的在洗浴，有的在梳头，有的在戏水玩耍，有的在独自沉思，通过运用缤纷绚烂的色彩渲染和远景近景的层次交换，烘托出丰腴女子皎好的容貌、灵动的身体和柔媚开朗阳光的性情。整个画面美轮美奂，人物形象鲜活动感，清丽饱满。

五，从油画作品的光线明暗来欣赏它的动感美

以伦勃朗的《杜尔医生的解剖课》为例：

伦勃朗是17世纪荷兰最伟大的画家之一、“荷兰小画派”重要代表。伦勃朗对油画艺术的最大贡献是他丰富和完善了油画的“明暗用光法”。伦勃朗在油画中善于以黑色或褐色等深色作背景，以白色来突出主体，看上去像是一束束白光集中于画面中央，既凸显主体又富于动感美。《杜尔医生的解剖课》是伦勃朗的一幅代表作。画中描绘了杜尔医生在手术台前讲解示范解剖手术的场景。围在杜尔医生身边的是他的同事和学生。由于画家精妙地运用了光线明暗关系，使这幅画看上去仿佛不是静态的，而是杜尔医生真真切切地在讲临床实验解剖课程，非常的真实生动。

六，从油画作品的笔触来欣赏它的动感美

以梵高的《向日葵》、《星空》、《麦田》为例：

笔触既是画家绘画风格技法的展示，也是画家思想感情在作品中的流露和展现。在这方面，后印象油画大师梵高的《向日葵》、《星空》、《麦田》等提供了经典的范例。这几幅作品，不仅展示了画家精湛绝伦的绘画技法，而且饱含着画家的思想感情和火一样炽热的激情。我们看到，画面中的《向日葵》，充满生命的活力热烈奔放，它已不是纸上的画，而是一株生机勃勃的活生生的葵花树；《星空》似乎让人们看到无际的夜空，静悄悄中，云层在涌动，月亮在看着周围的世界，还有高山、巨塔、大树等等，于暗夜中森然耸立，透着空茫而神秘的色彩；《麦田》中成片的金灿灿的麦子，让人感恩大地母亲，同时感受到一种丰收在望的喜悦和欢畅。

日本95后画家，画少女洗脸，水珠画出了动感，比冷军画老婆有新意吗？

冷军，这是一个注定在画坛留下芳名的大师级人物。他先前为老婆画的素描作品《蒙娜丽莎关于微笑的设计》，那是毫发毕现，超写实惊艳众人。这幅作品也是冷军的代表作之一，谈到超写实就绕不开这幅画作。既然是素描，那么就有同行不服气，日本95后画家就是其中之一。他先前在网上看到了冷军的超写实画作，就寻思着要超越冷军，素描挑战冷军。他画少女洗脸，水珠画出了动感，比冷军画老婆有新意。这为95后画家是谁呢？又如何比冷军画老婆有新意？

大森浩平

大森浩平作品未完成状态

这位日本95后画家，名字很有特色，叫做大森浩平。他从小就喜欢画画，对于画画有一种无法言说的天赋。但是这又是一个不幸的孩子，由于种种原因得了社交恐惧症。他忍受着常人难以忍受的痛楚，每天承受着无形的压力。他就将这种压力，发泄到了画画中，在笔触游移的时候感受那种欢快。他上了大学后，按理说应该阳光乐观的，然而社交恐惧症加重了。最后，也是不得不退学。虽然不善于表达，可是他用画笔打开了一个新的世界。他在网上看到了冷军的超写实作品，心想也要超越前辈。

大森浩平作品局部

于是，他就用素描挑战冷军。他画少女在洗脸，画了整整85天，基本上就是两个多月。他与冷军有一个十分相像的地方，都是慢工出细活，都是那种不善于表达的人。大森浩平在这85天的时间里，精心雕琢每一个细节。尽管他用的是那种铅笔素描颜色不够艳丽，可是他画的人物画确实是非常有质感。他笔下的少女，洗着脸，水珠顺着鼻子往下流。难能可贵的事，他把水珠的那种动感也给画出来了。水珠流过细小毛孔的那种感觉，也给表现的淋漓尽致。

冷军与前妻

这位95后日本小伙子不简单，比冷军画老婆有新意。上文中所说的《蒙娜丽莎关于微笑的设计》，正是他为老婆画的素描。冷军为老婆画的素描，从超写实的角度来说，那是无可挑剔精彩纷呈。大家注意看他的细节，毛衣那种线条交叉的地方，处理的很精致。甚至于，那种常眼难以发现的线头都刻画的清晰可见。然而，冷军的这幅画作，与日本95后小伙相比，缺少了点新意，就视觉冲击力而言，远远没有水珠动感的那么强烈。

《蒙娜丽莎关于微笑的设计》

《蒙娜丽莎关于微笑的设计》局部

冷军与日本95后画家，代表的是两种完全不同的时代。冷军相对来说，是比较传统的画家，画一幅画之前的考量比较多。日本这位95后画家大森浩平，就属于新兴的年轻画家，在创意上比冷军这样的老牌艺术家有想法。他才20多岁，还是非常年轻的，未来有无限的可能。小小年纪能够有此造诣的大森浩平，对于画画直言不讳的说道我不是擅长画画，而是专注于一件事情。看来，人生在一片荒芜的时候，上天不会把你逼到绝路上。大森浩平凭借超写实扎实的功底，着实出名了。

《蒙娜丽莎关于微笑的设计》局部

大森浩平画风与冷军迥然buitong

平心而论，作为日本95后画家的大森浩平，这一路走来实在是不容易。他画了一个洗脸的少女，连水珠画出了动感，确实是比冷军画老婆有新意。然而，有新意还是不行的，作为画家更多的应该专注于如何将自身的感觉与画笔合二为一，这样才能够实现突破。相比之下，冷军做得非常成功，比大森浩平高了不知多少个层次。所以，大森浩平还是有很长的路要走。大森浩平的经历，也为我国国内的年轻画家做了一个榜样，认真执着的日本民族精神，加上在艺术上甘守寂寞，他确实是值得我们学习。

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帮我找一些动感画面

学美向前冲：一群小女生立志的动画，相当感动。

秒速五厘米：新海诚的佳作，我流泪了。

雪之少女，air，和现在正播放的clannd都是KEY的作品，超感动。

草莓棉花糖ova，平凡中流露出感动.

除魔维纳斯，少女间的友谊，感动。

犬夜叉剧场版：穿越时空的爱恋，能使你终生不忘。奏光的STRAIN，非常感动。

ef悠久之翼，流泪之作。

翼年代记，走着永不停息的旅途，感动。

还有钢炼，感动。

死神的歌谣，感动。

地狱少女第二季，感动。

僵尸借贷，感动。

贫穷姐妹物语，感动。

还有好多，就想到了这么多。

世界名画呐喊图片

世界名画呐喊图片，世界上有很多的名画，一些画的价值是价值连城甚至是无价之宝，世界上的画家成千上万，但是历史留名的却不多，而世界闻名的就更是少之又少，以下分享世界名画呐喊图片。

世界名画呐喊图片1

《呐喊》是挪威画家爱德华·蒙克1893年创作的绘画作品，共有四个版本，分别是：创作于1893年的第一个版本，其作品作为蛋清木板画；绘于1893年的第二个版本，该画作为彩蜡木板画；第三个版本，创作于1895年，为彩粉木板画；第四个版本为蛋清木板油画。

该画作的主体是在血红色映衬下一个极其痛苦的表情。在当时蒙克的眼中，奥斯陆峡湾充满着发抖的、血红的幻觉，让人感到恐惧，甚至有些恶心。

在《呐喊》画作中，蒙克所用的颜色虽然与自然颜色的真实性是一致的，表现方式上却极度夸张，展现出了他自己的感受，画作里的线条扭曲，与桥的粗壮挺直形成鲜明对比，蒙克将画面中沉闷、焦虑并且孤独的情感，表现到了一种极致。《呐喊》是表现主义绘画的代表作品。

2012年5月3日，在纽约苏富比印象派及现代艺术专场拍卖上，1895年创作的版本（第三版）《呐喊》，以1.199亿美元拍出。 [1]

1893年 | 表现主义

挪威国家艺术馆等

天空中，红、黄、橙色的烈焰，像是要着火了一样。

下面站着一个人，光秃秃的脑袋就像头骨，整个身体被拉成波浪形，像要融入身后的急流。他因为害怕而瞪大了眼睛，嘴里发出了吓人的尖叫！

整个画面都弥漫着一股恐惧和焦虑。整幅画情绪饱满，不管是专业的艺术家，还是普通小白，都能在看画的一瞬间感同身受。

这就是挪威艺术家爱德华蒙克的《呐喊》。这幅画也有四个版本，其中粉彩木板画12分钟就卖出了1亿2千万美元。

世界名画呐喊图片2

2012年5月3日，在纽约苏富比印象派及现代艺术专场拍卖上，1895年创作的版本（第三版）《呐喊》，以1.199亿美元拍出。

中文名：《呐喊》

外文名：（挪威文）Skrik

（英文）The Scream

类别：油画、蛋彩画、色粉画、纸本画四个版本

收藏地：蛋彩与蜡笔画，藏挪威国家艺术馆

收藏地：色粉彩绘于木板作品，拍卖给私人

《呐喊》的画者，爱德华·蒙克（1863—1944年）是表现主义的代表人物，出生于挪威的医生之家，长期居住在德国柏林。

蒙克的艺术创作与他的生活经历密切相关，童年时期父母、姐姐相继因病去世，目睹亲人被病魔慢慢吞噬的痛苦，成为他表现人类苦痛、磨难和死亡的起因。他的作品中表现出对苦难生活的强烈感情，充满紧张、恐惧、不安、愤怒、绝望和深思。

该画【艺术特色】♀

《呐喊》常常被认为是蒙克的第一幅具有表现主义特色的画作，也是蒙克书写“灵魂”这一概念最原本的体现。

绘画表现更多依赖于创作时的感受，浓烈的色彩红、黄、蓝、绿的构成与大胆扭曲的轻重有致、缓急有序、长短粗细有别的线条运用令人震撼，画面呈现出高度的透视技法。

呐喊的人物全身震颤着，面色惨黄，惊恐的眼神透出万般的失落与迷茫。血红色的背景，动荡、急剧变化的线条是不可能取自于现实的，它来自于蒙克孤独和恐惧的生活经历。

该作品超越感官，表达了最深层次的东西。犹如画家所坚定的理想一样。

在该幅画上，蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。

虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天，都被夸张得富于表现性，但并没有失去其色彩大致的真实性。

全画的色彩是郁闷的：浓重的血红色悬浮在地平线上方，给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的紫色相冲突；这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色，重复出现于孤独者的衣服上。而他的手和头部，则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。

画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线，与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明对比。

整个构图在旋转的动感中，充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一声刺耳尖叫的声音。作者在这里以视觉的符号来传达听觉的感受，把凄惨的尖叫变成了可见的振动。

世界名画呐喊图片3

世界十大名画之一蒙娜丽莎

《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。

该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。

该作品代表了文艺复兴时期的美学方向，作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。

《蒙娜丽莎》是达·芬奇最喜爱的作品，作者生前一直把它留在自己的身边。

直到达·芬奇去世后，法国国王弗朗西斯一世用了一万二千金币，才从达·芬奇的弟子手中买下。

现藏｜法国罗浮宫

世界十大名画之一最后的晚餐

《最后的晚餐》是艺术家达·芬奇于文艺复兴时期创作的大型壁画，是达·芬奇代表作之一，世界著名画作，收藏于意大利米兰圣玛利亚感恩教堂。

达·芬奇以《圣经》中耶稣跟十二门徒共进最后一次晚餐为题材，将人物的惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。

1980年该画被列为世界文化遗产。

这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。

它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达·芬奇名扬世界。

现藏｜意大利米兰圣玛利亚德尔格契修道院

世界十大名画之一格尔尼卡

《格尔尼卡》是西班牙立体主义画家帕勃洛·鲁伊斯·毕加索于20世纪30年创作的一幅巨型油画，长7.76米，高3.49米。

该画是以法西斯纳粹轰炸西班牙北部巴斯克的重镇格尔尼卡、暴杀害无辜的'事件创作的一幅画，采用了写实的象征性手法和单纯的黑、白、灰三色营造出低沉悲凉的氛围，渲染了悲剧性色彩，表现了法西斯战争给人类的灾难。

这幅画运用立体主义的绘画形式，以变形、象征和寓意的手法描绘了在法西斯兽行下，人民惊恐、痛苦和死亡的悲惨情景。

画面左侧，一位悲痛欲绝的母亲怀抱因战争而死去的婴儿仰天哭喊，她的身后立着一个恐怖的牛头，牛脸上流露出残忍的狞笑。

根据毕加索曾在其他绘画作品中以牛头表示邪恶的习惯分析，这个牛头代表了法西斯的残暴和黑暗。

画的中间部分，一匹被刺伤的马昂头张着嘴，发出哀鸣，据画家本人说，这匹马象征西班牙人民，它代表受难的西班牙。

马的身下躺着一名死去的战士，他的右手握着被折断的剑，剑旁有一朵鲜花，这朵花是对死去战士的悼念。

一个妇女从窗子里探出身体，右手举着一盏油灯，油灯的左上方有一盏像眼睛似的电灯，灯光像锯齿一样射向四周，这些象征揭露，画家要将这一切罪恶和黑暗置于光照之下，让全世界都明了。

现藏｜马德里国家索菲亚王妃美术馆

世界十大名画之一星月夜

挚爱深夜的梵高在圣-雷米的初期所画的这幅"星月夜"是凡·高深埋在灵魂深处的对世界的感受。

在这件作品中, 闪烁于碧蓝色夜空中的星星, 格外夺人眼目。

每一颗大星、小星回旋于夜空中, 新月也形成一个漩涡, 星云与棱线宛如一条巨龙不停地蠕动着。

暗绿褐色的柏树像一股巨形的火焰, 由大地的深处向上旋冒; 山腰上, 细长的教堂、尖塔不安地伸向天空。所有的一切似乎都在回旋、转动、烦闷、动摇, 在夜空中放射艳丽的色彩……这幅油画是他所画的为数不多的, 不靠直接观察对象, 而用虚构的形与色, 凭想像创造某种气氛的作品中的一幅。

现藏｜纽约现代艺术博物馆

世界十大名画之一大宫女

安格尔的艺术“清高绝俗，庄严肃穆”，这一切可以通过他的重要作品《大宫女》体现出来。

画中，安格尔放弃了很多不必要的细节，使之统一在一片安详静谧的和谐气氛之中，就像是精心计算过一样，每一个“数字”所代表的都是和整体息息相关的极其“危险”的事件，随意改动其中的任何一处，都会使整个画面彻底坍塌。

这也似乎验证了古希腊哲学家毕达哥拉斯“数与和谐”的理论，毕氏仰望夜空，都能感觉到星辰的组合像是用数字组成的音乐，他曾说他有很多次真的听到了“诸天音乐”。在这幅画上，比例、色彩像数字一样按一种奇妙的秩序排列着，华丽而不失平和。

安格尔早年游学意大利时，也一定通过古希腊的艺术作品感受到了毕达哥拉斯哲学的这种富于神性的美。故意拉长的身体，似乎体现了一种古希腊雕刻的肃穆庄严的美感。

艺术并不是盲目地复制现实，而是对倾入全部感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。这是一种美感，不需要任何理由。

齐白石说作画“妙在似与不似之间”，在形体脱开世俗的桎梏之后，精神才会完满。这也表现在他的很多绝妙的素描之中。

现藏｜巴黎罗浮宫

世界十大名画之一戴珍珠耳环的少女

《戴珍珠耳环的少女》，是十七世纪荷兰画家约翰内斯·维米尔于1665年创作完成的一幅油画。

该画描绘了一名身穿棕色衣服，佩戴黄、蓝色头巾的少女，以少女戴着的珍珠耳环作为视角的焦点。

该画背景铺满黑色，衬托出少女的形象。画面中的少女穿一件棕色的外衣，白色的衣领、蓝色的头巾与垂下的柠檬色头巾相互映衬，她侧身转头面向画外，嘴唇微微张开，左耳佩戴的珍珠耳环若隐若现，少女的形象与黑色的背景形成对比，凸显立体。

史上最好看的画

史上最好看的画，每天都有数百万幅画作，但只有少数画作会在我们的灵魂中产生印象，但也有的画作是震惊世界的，比方说蒙拉丽莎的微笑大家应该都有听过，以下史上最好看的画。

史上最好看的画1

10、惠斯勒的母亲

它最初被称为灰色和黑色的安排：艺术家的母亲。这是美国出生的画家詹姆斯麦克尼尔惠斯勒于1871年绘制的一幅油画。它被认为是美国以外的美国人画的世界上最有名的画作之一。

9、戴珍珠耳环的女孩

它被许多人称为“荷兰蒙娜丽莎”和“北方的蒙娜丽莎”。它于1665年由荷兰艺术家约翰内斯·维米尔绘制，这是一幅油画，展示了一个头巾和珍珠耳环的女孩。这幅画中的女孩被认为是维米尔的长女玛丽亚。她创建时大约十二或十三岁。

8、三位音乐家

乍一看，三位音乐家看起来像拼贴画，但实际上我是一幅油画。它是由西班牙艺术家Pablo Picasso在1921年绘制的。Pablo Picasso实际上画了两幅相似的画作，他们都互相称为三位音乐家。

7、记忆的持久性

它是由西班牙艺术家萨尔瓦多·达利于1931年绘制的。它被认为是最好的艺术品之一，或者你可以说是全球最有名的画作之一。这幅画的基本思想是让人们思考他们的生活方式以及他们花时间的方式。

6、呐喊

它于1893年由爱德华·蒙克绘制。他是当时最有名的画家之一。他只在纸板上使用油和蜡笔画，以画出他最著名的作品。它基本上描绘了大自然的尖叫。这幅画展示了对景观的表现和痛苦的表达。橙色的天空可以在背景中看到。

5、亚当的创造

亚当的创造由米开朗基罗在1508年至1512年间绘制。它被放置在梵蒂冈城西斯廷教堂的天花板上。这幅画基本上描绘了“创世记”中的圣经创作叙事。它展示了上帝如何赋予第一个人亚当生命。

4、格尔尼卡

这幅画的灵感来自对西班牙格尔尼卡的轰炸。在西班牙内战期间，巴勃罗·毕加索在1937年完成了世界上最有名的一幅名为格尔尼卡的画作之一。西班牙政府委托这幅画作为战争的苦难，但后来它成为和平的象征。

3、最后的晚餐

它是15世纪最有名的画作之一，由莱昂纳多达芬奇绘制而成。它没有被放置在任何博物馆中，而是覆盖位于米兰的Santa Maria Delle Grazie餐厅的后墙。这幅画主要描绘了耶稣的最后的晚餐和他的门徒。

2、繁星之夜

繁星之夜也是世界上最有名的画作之一,它由文森特·梵高绘制。虽然他画了许多画作，但这一幅画被认为是一部杰作，这幅画自1941年起被放置在纽约市现代艺术博物馆，它已被Lillie P、 Bliss Bequest收购。

1、蒙娜丽莎的微笑

蒙娜丽莎是世界上最有名的画作之一。这是一幅由意大利艺术家列奥纳多达芬奇绘制的女性肖像。它是最有名的艺术作品之一。蒙娜丽莎是世界上写得最多，访问量最大，最受欢迎的着名画作。

史上最好看的画2

世界上最美的肖像油画

1、《蒙拉丽莎》作者达·芬奇

《蒙拉丽莎》这幅经典油画可谓是享誉全球，如今收藏在卢浮宫，作者是天才艺术家达·芬奇。肖像中的女性是皮货商年仅24岁的妻子，作者成功的塑造了一位贵妇形象，画中的蒙拉丽莎嘴角有一抹似有若无的微笑，眉眼间透露出愉悦，但是这个微笑非常的微妙，不经意间可能会被忽略，所以后人也称这个是最神秘微笑。

2、《戴珍珠耳环的少女》作者约翰内斯·维米尔

《戴珍珠耳环的少女》是荷兰画家约翰内斯·维米尔的作品，画中的少女是他的长女玛利亚，这幅画是经典的传世名画，画中的少女戴着黄、蓝的头巾，一身棕色衣服，气质脱俗，给人一种恬静从容的感觉，但是又让人感到有些伤感，画家将细腻的感情刻画得栩栩如生，令人佩服。

3、《入睡的维纳斯》作者乔尔乔内

《入睡的维纳斯》是意大利画家乔尔内尔最成功的油画，说是肖像画可能有些不准确，但是画中的维纳斯在一片自然风景中入睡，观赏的人都不敢大声说话，怕惊扰了这位沉睡者，维纳斯的身体线条优美柔和，与大自然合二为一，当人们看到这幅画时，没有什么肉体上的冲击，有的只是一片静谧美好。

4、《海伦娜·费尔曼》作者鲁本斯

《海伦娜·费尔曼》是由鲁本斯所创作的，现在收藏在伦敦的国立美术馆，油画中的色彩美艳美丽，更衬托出画中人的美丽，这幅肖像画的线条非常流畅，一位贵妇人的形象近在眼前，丰腴的身材，白皙的面容，将贵妇形象展现的淋漓尽致，鲁本斯如果为世界上最性感的女人作画，一定也是美极了。

史上最好看的画3

世界上最经典的画赏析

《蒙娜·丽莎》——达·芬奇

这幅肖像花了达、芬奇四年的时间，当他完成这幅肖像之后，不愿把它交给佐贡多(富商,蒙娜、丽莎的丈夫）或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，便带着这幅肖像离开意大利去了法国。达、芬奇是在法国去世的，这就是为什么《蒙娜、丽莎》这幅画在法国的缘故。多少世纪来，人们一直在谈论她那神秘的微笑，她的微笑的确神秘：它似乎在变化。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时象是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能象在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜、丽莎的脸上，微暗的阴影时陷时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。

而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达、芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的”神秘的微笑”。关于这幅画有一个故事。达、芬奇在为蒙娜、丽莎绘画时，请了位乐师在她旁边弹奏，以便她能象个模特儿那样耐心平静地坐着。她眼中的神情告诉我们她正在倾听。而现在，如果我们看她那双美丽的手，并把它们与她的脸联在一起考虑，我们会觉得那神情更诚挚。她的右手轻轻地放在左手上，中指根本没有任何依托，我们感到它正和着音乐的节奏轻轻地打着拍子。当我们看着这幅如此逼真的肖像画背后的景色，我们会为那不真实的背景吃惊。山峰、道路、小桥、流水都在一种梦幻般、飘拂不定的气氛里出现，仿佛以此证明蒙娜、丽莎的思绪沉浸在一个梦的世界里。

《最后的晚餐》——达·芬奇

在庆祝逾越节的前夜耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。在餐桌上耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。意大利伟大的艺术家列奥纳多、达、芬奇的《最后的晚餐》，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐墙上的? 沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。

他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。我们知道他就是那个叛徒，犹大、伊斯卡里奥特。犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达、芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。犹大的侧面阴影旁是圣、彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣、约翰靠去。彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。圣、约翰的头朝彼得垂着。

在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。小雅各的另一边，圣、菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：”你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。他们所看到的这一切，均发生在这幅伟大的作品之中，但每次当我们欣赏它时，都会从门徒的感情与性格中获得新的含义。

《向日葵》——梵高

梵高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。

《第一步》——梵高

这作品是梵高临摹自米勒的同名作品。画面是一个农村的耕地，背面是农民的房屋。画的右方一位农妇扶着小女儿帮助她学步。左方女婴的农民父亲蹲在地上张开双手鼓励她向前走。这虽然是梵高临摹米勒的作品，但是整幅画都显露出梵高个人的风格。画面用色鲜明，多用蓝，黄和绿色。这些高明度及属于自然界的颜色，让人感受到活跃的生命力。他让画中的人和物框上厚实的黑色线条，这明显是受到日本艺术的影响，亦让画面增加实在的感觉。另外，他亦以弯曲旋转的笔触绘画树、灌木和农作物。这是他成熟画作中常用的手法，也令这画增加生气勃然的气息。整幅农村景象让人感到农民的实在生命，平凡但跃动又充满亲情。

《创造亚当》——米开朗基罗

米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务,他当时的心情是悲愤的,不料此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右,是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画,均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事,分别名为《神分光暗》,《创造日,月,草木》,《神水分陆》,《创造亚当》,《创造夏娃》,《诱惑与逐出乐园》,《挪亚献祭》,《洪水》,《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成,由于长期仰面艰苦作画,他颈项僵直,书信都要置头顶仰视、其中以《创造亚当》最为出色,画中亚当的形象体态健壮,气魄宏伟,具有强烈的意志与力量,显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工,予同时代人深刻的启示。

《梦》——毕加索

1927年,47岁的毕加索与长着一头金发,体态丰美的17岁少女初次相遇,从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。又过17年,64岁的毕加索给她的生日贺信中说:"对我来说,今天是你17岁生日,虽然你已度过了两倍的岁月。在这个世界上,与你相遇才是我生命的开始。"这幅画作于1932年,可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。

《大宫女》——安格尔

安格尔在等待去罗马留学的这段时间，曾接受过今属比利时的列日城的一幅订件，为那里画一幅《第一执政波拿巴肖像》，此时正值1803年，即路易十六被处死之后，拿破仑又发动旨在推翻督政府的雾月十八日政变的重要时期。这位第一执政官要实行全国的军事独裁统治，人民无不切齿痛恨。安格尔却应允去完成这样一幅肖像画。1806年，他又画了《拿破仑一世在皇座上》，这后一件作品已是赤裸裸地为庆贺这个军事独裁称帝而创作的歌颂性作品。安格尔不问政治，却在这两幅画上宣告了自己的立场。当作品于同年在巴黎沙龙展出时，受到了舆论界的冷嘲热讽。在罗马的安格尔获知这幅画的反应后，心情非常沉重，曾愤慨地表示： “人们总以为，沙龙是鼓励绘画的地方，其实不，它给绘画提供的是一条可悲的道路。”

1813年，他与玛德莱娜·夏佩尔小姐结婚，总算使他得到一些慰藉。他说道：“夏佩尔是自我牺牲精神的典范，她成为我生活中的安慰。”这时，他除了画神话题材之外，还画了几幅裸体题材的大画，准备送往巴黎再度露面。这一幅《大宫女》（这时法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣，一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的淫艳生活。安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。《大宫女》这一画题是为区别他的另一幅油画《宫女》）就是这时期他描绘裸题材的代表作之一。这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就象几何学家画固体一样。为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了！他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的俘虏（Procrustes; 传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等）一样随意伸缩。

有时他感到沮丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。” 评论家德·凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了。” 这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”

安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，我们觉得安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。此画约于1814年完成，为91×162厘米。现藏巴黎卢浮宫。

《圣母子》——拉斐尔

画中，我们看到圣母子坐在凳子上，背后是一片温柔和景色。这天，风和日丽，我们可以看到远处的山峦融进浅蓝色的天空。右边的几簇矮树丛，把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教的世界。母亲与孩子头上环绕的两道光环，是他们圣洁的标志。拉斐尔无需用这种标志来展现他所要表达的东西。他把年轻的母亲绘得那样甜蜜，梦幻般的脸画得如此温柔，当我们看着她时，我们想到的只能是圣母。她那双大大的眼睛根本没看任何东西，因为它们追随着她的思绪。她正在沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。她的另一只手抱着婴儿。当我们把她的双手与脸放在一起理解的时候，我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在想着耶稣与他的未来前程。与他的母亲相比，小耶稣画得比他那个年龄的男孩大是自然的。拉斐尔创作这个孩子的肖像的方式，确立了耶稣在画中的`重要位置。看圣母子的脸，我们可以发现，那柔和的轮廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴，与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似，这是因为，拉斐尔是文艺复兴时期的一位艺术家，他一直在对古代艺术进行研究。但也有不同，拉斐尔把圣母的脸画得更加温柔，他把古代女神的神态画得更精致、更柔和，赋予了一件古代异教徒的艺术作品以新的基督的含义。拉斐尔赋予了古代美以新的生命。在他的画中，古代艺术获得了再生，并发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就，代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。

《吹笛少年》——马奈

马奈早年受过学院派的六年教育,后又研究许多历代大师的作品,他的画既有传统绘画坚实的造型,又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩,可以说他是一个承上启下的重要画家、他的作品(尤其是肖像画)很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里我们可以看到马奈的才气和自负感。此画明显带有日本浮世绘版画的影响。注：马奈这一名字出典于拉丁文题铭 Manet et manebit,意思是：“他活着并将活下去。”

《打阳伞的女人》——莫奈

这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。

《自缢者之家》——塞尚

1872年末，塞尚离开了蓬图瓦兹对岸的旅馆，到了奥维尔村。通过在蓬图瓦兹与毕沙罗、基约曼一起人事创作，塞尚在作画中，充分地运用了学到的印象派手法，在色彩方面比以前明亮了，画面富有生气，笔触较为细腻。不过，仍然保留着结实、粗犷这些原有的特征。在这幅作品中，右侧高大的屋脊与左侧房屋之间，是急剧下降的道路。在中景方面，只能看到村中房子的屋脊。这景是奥维尔村明亮的旱田与天空。前景中的屋脊与建筑物、道路，显现得坚固有力，给以厚重的感觉。在这里看不到在印象派作品中常有的那些平坦的原野。前景中巨大的物体阻碍了向远处的眺望，在平和、稳定的风景中，犹如打进了一个大楔子。用这样的构图、以及选择《自缢者之家》这样的主题，不能不使人联想到塞尚本人的内心活动与其精神状态。

《泉》——安格尔

年轻的裸拿着壶罐让水倒出来，其肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力。色彩运用非常柔和而富于变化。表现清高绝俗和庄严肃穆的美。这幅《泉》早在安格尔在佛罗伦萨期间就开始酝酿，事阁三十多年以后才最终完成。

《日出·印象》——莫奈

《日出·印象》描绘的是勒阿弗尔港一个多雾的早晨，晨曦笼罩下的海水呈现出橙黄色或淡紫色，天空被各种色块渲染，再现强烈的大气反光中形成的表面的色彩。这种对绘画语言本身的探索为后世许多画家所接受，从而形成了以印象派为起源的大潮流，艺术踏上了迈入现代的旅程。

《伏尔加河上纤夫》——列宾

列宾(1844-1930),是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一,《伏尔加河上纤夫》是他的成名之作。还在学生时代,彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情,从那时候开始,他就想描绘一幅表现纤夫的作品,以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季,列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生,典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者,他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。

《亚威农少女》——毕加索

过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。立体主义则是以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，把正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。在《亚威农少女》中，五个裸的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。

儿童画教程｜颜料喷溅表现激情动感《砰砰砰！酒瓶碎了！》

课程准备

1.课程类型少儿趣味美术课程

2.参考课时 90分钟

3.工具材料素描纸、记号笔、水彩笔、颜料

课程构思

酒，是一种无论古今中外都流行的饮品，酒的种类多样，有葡萄酒、啤酒、白酒、米酒等等，世界各国的人民对酒的热爱从古至今，随之，也催生了多种多样的酒瓶设计。小朋友们，你们知道吗，酒瓶作为一件玻璃制品也是有着它独有的美感的哦，当人们将啤酒喝完后，很多人会选择丢弃，但在国外有很多艺术家将啤酒瓶废物利用，使用丙烯颜料等绘画材料给它们进行装饰，普通的啤酒瓶就能摇身一变，成为一个别出心裁的艺术品。不仅如此，酒瓶有着它易碎的特性，当它碎裂时，酒液四溅，玻璃炸开，因为这一动感的场面极具冲击力，所以设计师们也会将这样的画面用于平面设计中，给人们视觉上带来另类的享受。在今天的的课程中就让我们以酒瓶为主题，结合剪贴、吹墨等多种技法，设计一款漂亮的酒瓶，同时绘制出酒瓶碎裂的一瞬间的动感场面，在锻炼小朋友们色彩搭配能力、装饰能力的同时，培养小朋友们发现生活中的美，抓住美感瞬间的意识，然后我们一起来看看参考教程吧！

情景描述

与一般的美不同，酒瓶这一玻璃制品碎裂的一瞬间，伴有危险、伴有凌乱感、伴有力量感，伴有所有我们视觉能接受的最大冲击力，这一富有动感的画面为许许多多中外设计师使用，让我们拿起画笔，一起来画一画这一经典的设计构图吧！

教学重难点

1.绘制酒瓶的外形，并用丰富的色彩进行对酒瓶的装饰。

参考和观察酒瓶的各色造型，抓住酒瓶的特点绘制出一支完整的酒瓶。酒瓶的形态多种多样，有长条形，有圆形等等，但是无论酒瓶肚的形态如何，酒瓶都是保持着上窄下宽，瓶口圆窄的特点的。在绘画时，选择一款自己喜欢的啤酒瓶外形进行绘画。

2.运用富有想象力的花纹和色彩，为啤酒瓶进行装饰，体现花纹和色彩的美感。

当人们将啤酒喝完后，很多人会选择丢弃啤酒瓶，但在国外有很多艺术家将啤酒瓶废物利用，使用丙烯颜料等绘画材料给它们进行装饰，普通的啤酒瓶就能摇身一变，成为一个别出心裁的艺术品。在绘画的时候，你也可以大胆地展开想象，为啤酒瓶装饰美丽的花纹和色彩。

3.学习运用吹墨的趣味技法，结合剪贴的手法模拟酒瓶炸裂，液体四溅的动感，塑造出冲击力十足的画面。

将彩墨滴在画面中合适的位置，用吹墨的技法使得液体在平面上不规则地流动，模拟出液体溅射的质感；使用剪刀剪出不规则的裂口形态，并剪出碎片型，模拟玻璃碎裂时的质感，两者结合，我们酒瓶炸裂、液体溅射的画面效果就出来啦，小朋友们一起试试吧！

绘画教程

准备一张素描纸

用记号笔在纸上画出啤酒瓶的外形